創意現場   ✷   彭星凱

小

───
上 篇
───

聽聞兩位前輩，林小乙與何佳興，成為今年瑞士國際平面設計聯盟（AGI）臺灣新進會員的消息，非常開心。

在今年初，蕭壠藝術節展覽《近未來的交陪》中，何佳興發表以廟宇屋頂尖角弧線組成的「陪」字海報（另一張系列作則為「交」字），氣勢之壯闊，彷彿若能陷入其中便可以觀賞一座建築，又近似將精神依附於宗教的玄祕感覺。

據何佳興在講座上的解釋，他的作品來自探索內在的線條與空間感，認為每個人的身體存藏著自我的線條，文化群體亦會有集體感知空間的方式。研習書法篆刻與東方哲學的背景，或許是讓何佳興的視覺語言透露著未來想像的原因。這個「未來」並不立基於全新的材料，而是出自我們認知是本土傳統符碼的「只有接收臺灣文化的人才能做到」的想像。他曾說不認為自己的東西是漂亮的，更讓我確定其創作觀受到佛家思想影響，不再受限於美醜的二元。

林小乙的作品則跳脫平面靜態的約束，著眼在質材與閱讀行為交織所組成的三維經驗。我覺得比較精確的描述，是創造風景。翻讀她的作品總有種錯覺，好像參與了世界某處祕境的旅行。（也或許林小乙認為自己的風景僅屬於她獨立的時空？）

這項特質在她與木馬出版合作的約翰．勒卡雷典藏套書的封面上，首先能看出成熟的端倪，而真正的爆發，我所知道的是從 2015 年她為香港蘇富比所設計的數本藏家專書開始，能量像是無止閥地流洩，攜帶著懷念過臺灣還鑲著金邊時的風光才能演繹出的奢華和粉豔。

林與何的作品少現身在商業市場，也不見其迎合國際風格，同樣受到海外指標組織的認可，或許能夠對華語區關注設計議題的讀者反映出本質面的重要訊息：設計最終仍需回到創作者在將所經歷的文化以自我語言轉譯之後、再次向外的反饋，並且，設計不應止於服務商業。

特別點出華語區，是因為至少在歐洲及日本，商業設計與先鋒派的文化分工明顯更為清楚且彼此尊重。創作者（個體）與社會（群體）的思想交換，能夠協助「設計的集體」刺探下一個具前瞻性的操語方式。但與此同時，個體的思想多難在當下被主流接受，若對設計沒有深入的理解，就容易片面地將既存共識當成判斷設計價值的標準。

這兩年常聽說日本設計師對臺灣作品充滿興趣。包括我自己在內，許多朋友都對這個現象感到驚訝。日本設計業在二戰後經歷深刻反省，在民族復興的覺悟下建立出的縝密系統，將其推上世界最重要的設計國之一。無論商業、文化領域，做到極致的匠人精神、成熟的整體訓練、企業主的品味與格局，總讓許多臺灣設計師羨慕不已。

而在國內工作不得不看到的，業界意見分歧、人才外流、整體經濟的收斂讓應為設計重要養分的廣告產業萎縮，學院方針既是抓不到核心，跟隨潮流卻又總慢時代一步，業主對設計效益之誤解造成的專業漠視等等現況，越是細數越是叫人悲觀。在這般情境下，來自他國的肯定怎麼越見頻繁？

或許一方面的可能，是學習的進程不夠完整，反而發展出自成一格的型態。國際主流設計方法至今仍依循著現代主義，重視系統性、機能性，追求著一套貫通的答案。而臺灣新生代對本土舊觀念的排斥，讓設計存藏反骨，作品總併隨顛覆與革新的企圖。雖然成果多少會有基礎訓練不夠扎實的痕跡，但設計最重要的，從來並非「如何與他人相同」，而是「如何與他人不同」。臺灣設計放進國際平臺已逐漸有自己的模樣,只是 我們尚沒有能力、或有能力者還未論述它。

另一方面我也猜想，會不會正是因為大局低迷，反而有足夠的機會，讓創作者掌握更多個人主導的空間，而逐漸形成今日在庶民文化此起彼落的活力呢？他國所看到的臺灣價值，會不會是我們仍正處在建構主體思想的過程中、還未被「世界」同化的可能性呢？ ──────（下篇刊於 070 期）●

文　彭星凱
圖　林小乙

彭星凱　平面設計師。圖案室．空白地區工作室負責人。學學課程講師。 2003 年起執業至今，於 2018 年成立圖案室有限公司，致力臺灣經典品牌產品再造與平面設計推廣。著有散文詩集《不想工作》、作品集《吃書的馬》、及論述著作《設計．Design．デザイン》。